Conoce a Tiziano

¡Qué hay de nuevo!

En la entrada de hoy, voy a contaros la vida de Tiziano para que profundicéis en el conocimiento sobre este autor o, los más novatos, puedan aprender de uno de los más grandes de la Historia del Arte.

Vecellio di Gregorio Tiziano, más bien conocido como Tiziano, fue un pintor italiano nacido en Pieve di Cadore en 1490, en el seno de una familia de gran renombre, y que muere en Venecia en 1576.

Se formó primero con Gentile Bellini, luego pasó al taller de Giovani Bellini y, posteriormente, acudió a la escuela de Giorgione. 

Sus principales influencias fueron Giorgione, uno de sus maestros venecianos, y otros pintores de esa cúpula de nombre menos conocido, así como Rafael, Miguel Ángel y Leonardo da Vinci. 

Perteneciente al renacimiento italiano, iniciado a finales del siglo XIV tras numerosos cambios sociales en la vida de Italia. Este término representa el interés de los artistas por rememorar tiempos pasados, centrándose en la antigüedad clásica.

La temática de sus obras se centra principalmente en la religión, con cuadros como La Piedad (1575), David y Goliat (1542) o La Asunción de la Virgen (1518), aunque también trata temas alegóricos como Alegoría de la Prudencia (1570), o temas mitológicos, tales como Venus de Urbino (1438) o Baco y Ariadna (1520).

También da una gran importancia a los retratos, siguiendo un esquema clásico utilizado por Rafael o da Vinci, en el que el personaje se encuentra sentado y se puede apreciar una ventana en el fondo con un hermoso paisaje dando profundidad a la composición. Algunos de sus retratos más famosos son Isabel de Portugal, Hombre con un guante (1520-22) o El Ariosto (1508).

Tiziano utiliza la técnica de óleo sobre lienzo o sobre tabla de madera (aunque es menos frecuente), que consiste en utilizar aglutinante de aceite para mezclar con los pigmentos que, al secar, se vuelve sólida y flexible. A su vez, el lienzo es un tejido de trama prieta con un grosor determinado de lino o algodón. Sus obras eran de grandes dimensiones, algo típico de la Escuela Veneciana.

En su primer etapa, de 1510 a 1515, sus obras estarán influidas por Giorgione, aunque dotando a las obras de identidad propia, confrontando los modelos antiguos con los grandes de la época tales como Rafael o Miguel Ángel. En esta época los temas que predominan son los alegóricos y profanos, con pinturas como Amor sacro o Adoración de los pastores. 

En su segunda fase, de 1516 a 1530, adquiere una identidad totalmente propia. Las obra tenían un gran vitalismo, logrado gracias al uso de colores brillantes. También apuesta por la monumentalidad de formas con obras como Bacanales u Ofrenda a Venus, de temática mitológica y profana. 

Al pasar a su tercera etapa, de 1530 a 1540, cambia radicalmente de estilo: frente a la vitalidad de la etapa anterior, apuesta por una pausa contemplativa en la que predominan los retratos y escenas narrativas. A esta época pertenecen obras como Carlos V con su perro o La virgen del conejo. 

En la cuarta fase, de 1540 a 1550, predominan el color y la luz frente a todo lo demás, deja de lado el naturalismo ilusionista y cambia a la técnica de manchas de color. Pertenecen a esta etapa obras tales como Carlos V a caballo o Paulo III con sus nietos. 

También tuvo un periodo manierista, de 1541 a 1545, mostrando en sus pinturas ensueños y a su vez realidades terrenales robustas impregnadas de sensualidad. Aquí se encuentran obras como La visión de San Juan evangelista, Carlos V en la batalla de Muhlberg o Caballero inglés.  

La quinta fase, de 1551 a 1559, trata la temática religiosa y mitológica en la que la expresividad muchas veces queda en un segundo plano la expresión del dramatismo y la composición frente al color y los efectos de la luz. En esta etapa se sitúan pinturas como Adonis y Dánae o Diana y Calixto. 

En su último período, de 1560 a 1576, Tiziano va anticipando el impresionismo, en el que el espacio tiene una visión personal, mística. Tras la muerte de su mujer y su mejor amigo, el pintor entra en un momento angustioso que plasma en sus obras una atmósfera triste y desoladora. Pertenecen obras como El entierro de Cristo, Coronación de espinas o Marsias desollado. 

Como buen retratista que era, Tiziano plasmó algunos autorretratos como este, realizado en una edad muy avanzada de su vida.

Figura 1. Autorretrato de Tiziano 

Además, os dejo algunas obras del autor: 

Figura 2. Entierro de Cristo 

Figura 3. La piedad

Figura 4. Retrato de Ariosto

Figura 5. Virgen con el niño 

¡Hasta la próxima!

BIBLIOGRAFÍA

Alegre Carbajal, E. (2018). Tiziano (1490-1576). Recuperado de http://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=tiziano

Alejandro (2012, abril 28). Pintura y arte: Tiziano [Entrada blog]. Recuperado de https://isthar-mitologia.blogspot.com/2012/04/tiziano.html

Biografías y vidas (2019). Biografía de Tiziano Vecellio. Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/t/tiziano.htm

Renacimiento italiano (s.f). Recuperado de el 2 de mayo de 2019 de https://es.wikipedia.org/wiki/Renacimiento_italiano

Todo cuadros (2019). Tiziano. Recuperado de https://www.todocuadros.es/pintores-famosos/tiziano/

Portada del cuento

¡Bienvenidos otra vez😊!

¿Recordáis el cuento "El viaje de Skrik" que publiqué hace unos días? Pues todo buen cuento necesita una portada, y el mío no iba a ser menos.

Así que aquí os dejo la portada y la contraportada y el método que utilicé para ello.

Decidí realizar la portado empleando una técnica mixta: hice un collage, recortando y pegando elementos. Para añadir el título, mi nombre (en la portada) y el breve resumen (en la contraportada) utilicé la aplicación digital de GIMP, usando una letra CURL en color blanco.

En primer lugar, imprimí los elementos que veis. Tenía un Universo como fondo; luego el planeta Tierra (de la que solo empleé la mitad); la obra de mi artista, Elogio del Horizonte de Eduardo Chillida; los planetas del Sistema Solar; restos de residuos de color rojo; y mi personaje principal Skrik, al cual dibujé a mano, cambiándole la expresión de la cara y la posición de los brazos para expresar su indignación por la destrucción del planeta.

Comencé a recortar los objetos💪. Creo que esta parte fue la más "complicada" del proyecto porque tenía unos componentes muy pequeños y con numerosas formas, y yo únicamente tenía unas tijeras para recortar.

 Sobre el fondo del Universo pegué, en la parte inferior derecha, la mitad de la Tierra, con la obra de Chillida encima de este planeta y Skrik en su superficie.

Después pegué los planetas distribuidos de forma aleatoria y los residuos por el fondo que quedaba libre del Universo. También pegué las latas, botes... que tenía de forma libre, pero todos guiados hacía un mismo punto.

Con ello, he intentado transmitir la sensación de que Elogio del Horizonte es un contenedor gigante por el que se cuelan los desechos de todos los planetas, convirtiéndose nuestro planeta en el basurero del resto del Sistema Solar (si habéis leído mi libro, entenderéis a la perfección el sentido de la portada, o eso me gustaría😊).

Ahora bien, para llevar a cabo esta creación, me centré en las figuras retóricas visuales de la repetición o anáfora, ya que, los residuos que he añadido (latas, bolsas de basura, botes de cristal y de ketchup...) se repiten de forma intermitente; la personificación, debido a que Skrik está representado en la Tierra como un humano más, con capacidad de hablar, pensar y sufrir las consecuencias del cambio climático; o la metáfora a la hora de representar la obra Elogio del Horizonte como un contenedor.

Además, utilicé diversos elementos de color rojo, existiendo una gran coherencia, que sirve para que el espectador guié su mirada hasta el punto central dónde acaban los objetos: la superficie terrestre y el "contenedor", ofreciendo movimiento a la portada y estableciendo una estrecha relación con los zapatos de Skrik, que también eran rojos.

Si vieseis esa portada en un libro, ¿tendríais ganas de leerlo? Espero que sí 😄

¡Hasta pronto!

Casi acabamos...

¡Hola lectores!

El semestre está llegando a su fin y, como no, las exposiciones también. Queda muy poca gente por exponer ya y se nos acercan los exámenes finales. Pero ese nunca es motivo para dejar de daros a conocer los pequeños descubrimientos que hago en las exposiciones.

En el caso de hoy, han expuesto cinco compañeros. Sus exposiciones se basaban en el proyecto dos artistas, presentándonos mediante ellos los cuentos realizados y las portadas de dichos cuentos. 

Se han tratado numerosos conceptos, aunque los más llamativos han sido los siguientes:

• Romanticismo: Movimiento artístico y literario surgido en el siglo XVIII. Con esta corriente, se busca la evasión de lugares y épocas pasadas, en busca de olvidar las guerras napoleónicas que ocurren en Europa en el siglo XIX. En sus obras quieren plasmar las emociones, mediante numerosos colores y la luz. Algunos de los artistas mencionados hoy que siguen esta corriente son Caspar David Friedrich, perteneciente al romanticismo alemán, o John Constable, el cual reflejaba una visión de la verdad de su comarca mediante trazos  y manchas superpuestas para captar un instante fugaz. 
• Retórica visual: Es una herramienta que se emplea para conectar los significados de los componentes de una producción visual. 
• Expresionismo: Movimiento artístico y literario del siglo XX que busca expresar las emociones, en vez de plasmar la realidad. Es decir, les interesa la expresión subjetiva de sus sentimientos, rechazando la objetividad. En este caso, el término surgió a partir de la exposición del autor Óscar Kokoschka. 
• Cianotipia o blue print: Sistema de impresión inventado en Ingleterra en 1842 por Josh Herchel. Se obtiene una imagen azul prusia, siendo el resultado de un proceso de revelado en el que se emplea citrato de amonio y hierro y ferricianuro de potasio. Al mezclarse, se obtiene una solución que moja el soporte en el que vamos a realizar la impresión. En la década de los 70, esta técnica se hizo muy popular y fue usada por artistas como Robert Rauschenbers. Aunque no solo es usada por artistas, sino que muchos arquitectos la emplearon para copiar planos. 
• Pictorealismo: Movimiento surgido por la necesidad de los fotógrafos de imitar la pintura. 
• Combinados: Mezcla de distintas disciplinas  en un proyecto artístico. Es decir, en una misma obra puede haber pintura y escultura. Esta técnica fue empleada por el artista Robert Rauschenbers. 

Otra técnica que me sorprendió fue el tallado en ladrillo, formando esculturas. Este método es empleado por Henry Moore, un escultor británico que, en la última de sus etapas significativas se dedicó a realizar esculturas en ladrillo. Aquí os dejo un ejemplo de este tipo de esculturas: 

Figura 1. Wall Reliief (Henry Moore)

Por otra parte, las portadas que nos presentaron los compañeros estaban realizadas de distinta forma: unas fusionando obras, otros eran dibujos realizados a mano, usando Photoshop..., además de emplear diferentes figuras retóricas visuales. Aunque cada uno eligiese la manera de hacerlo, todas ellas tenían un gran valor y un significado específico. 

¡Hasta pronto👏! 

BIBLIOGRAFÍA 

Acaso, M. (2012, abril 13). El concepto de retórica visual [Entrada blog]. Recuperado de https://imagencion.wordpress.com/2012/04/13/el-concepto-retorica-maria-acaso/

Fredigoni (2019, septiembre 25). ¿Qué es la cianotipia? [Entrada blog]. Recuperado de http://www.fedrigoniclub.com/catalogo/que-es-la-cianotipia/ 

Pérez, T. (2018, abril 27). La pintura del siglo XIX: El romanticismo [Entrada blog]. Recuperado de http://tom-historiadelarte.blogspot.com/2007/05/la-pintura-del-siglo-xix-el.html

Pérez, J. y Gardey, A. (2018). Definición de expresionismo. Recuperado de https://definicion.de/expresionismo/

Tommaso Masaccio

¡Hola a todos!

Espero que tengáis muchas ganas de conocer nuevos autores y dediquéis una parte de vuestro tiempo a leer esta entrada. En este caso os contaré la vida de TOMMASO MASACCIO.

Para que le pongáis cara, este es un autorretrato del artista. 

Figura 1. Autorretrato de Masaccio 

Este pintor italiano del siglo XV tuvo una corta vida (tan solo vivió 26 años) pero nos dejó un gran legado con numerosas obras espectaculares. Nació en San Giovanni Valdarno (Italia), pero pronto se trasladó a Florencia, pasando a formar parte del gremio de pintores de esa ciudad. Fue alumno de Bicci di Lorenzo, un pintor del Quttrocento. Se dice que se acabó de  formar en el taller de Masolino, aunque otras fuentes indican que solamente se incorporó como colaborador.

Perteneció al renacimiento italiano, movimiento artístico desarrollado a lo largo de los siglo XV y XVI principalmente en Florencia, aunque posteriormente se expande por toda Italia. Sus principales características son:

• Materiales determinados como temperas y óleo sobre madera y lienzo. 
• Diversidad temática (cristiana, pagana y profana)
• Antropocentrismo: estudio de la anatomía del ser humano en busca del canon perfecto. 
• Estudio minucioso de la perspectiva lineal y el espacio.
• Juegos de luz para crear perspectivas y volúmenes. 
• Interés por el realismo. 
• Gran importancia del escenario en que se desarrolla la acción. 
• Composiciones cerradas en la que los personajes están perfectamente encuadrados. 

En sus pinturas, se inspira en el famoso Giotto, en el arquitecto y escultor Brunelleschi y el escultor Donatello. 

En cuanto a los temas de sus obras, predomina la temática religiosa en obras como La expulsión del paraíso, La Trinidad o Virgen con el Niño y alegórica tales como El pago del tributo o Retrato de una joven de perfil. Pero sus obras más conocidas son los frescos de la capilla de Brancacci en la que se representan la vida de San Pedro y escenas del Antiguo Testamento. 

Trabaja sobre tabla utilizando materiales tradicionales o pintura al fresco o mural, en la que la pared se cubre con una fina capa de yeso y varias de cal y, al estar la última capa húmeda, se pinta encima, mezclándose los pigmentos con la pared y quedando fijado durante mucho tiempo. 

Se centra en el estudio de la profundidad del cuerpo humano y la naturaleza inspirado en el clasicismo greco-romano, además de imitar con perfección la arquitectura de la época, inspirándose en las teorías matemáticas de Brunelleschi. Utiliza los escorzos para crear profundidad, la luz cobra gran importancia que remarca las figuras macizas y robustas con una gran fuerza expresiva y su estilo predomina por la sobriedad y realismo de las formas. Es de los primeros pintores que experimenta con el color: en el primer plano se encuentran colores cálidos y en los fondos encontramos colores fríos. 

Por tanto, Masaccio nos dejó un gran legado: fue el primero en poner el práctica las leyes de la perspectiva en la pintura dotando a las obras de volumen y profundidad. 

Os dejo algunas de sus obras para que veáis la gran precisión y perfección de sus composiciones: 

Figura 2. La Trinidad de Masaccio. 

Figura 3. El pago del tributo de Masaccio. 

Figura 4. Expulsión del paraíso

¡Hasta la próxima! 

BIBLIOGRAFÍA

Arte internacional (2011, noviembre 23). Pintura renacentista italiana [Entrada de blog]. Recuperado de https://arteinternacional.blogspot.com/2011/11/pintura-renacentista-italiana.html

Biografías y vidas (2019). Masaccio. Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/masaccio.htm

Masaccio (s.f.). En Wikipedia. Recuperado el 27 de abril de 2019 de https://es.wikipedia.org/wiki/Masaccio

Mi viaje (2019). Masaccio, un gran pintor italiano del Renacimiento. Recuperado de https://miviaje.com/masaccio-pintor-italiano-renacimiento/

Navaro, J.M. (2013, junio 14). Renacimiento Quattrocento: Pintura: Masaccio y Botticelli [Entrada blog]. Recuperado de http://jmnavarron.blogspot.com/2013/06/renacimiento-quattrocento-pintura.html

Mapa mental de Chillida

¡Bienvenidos amigos! 

Después de un par de días dándole vueltas, he decidido realizar otro mapa mental, pero en este caso dedicado a mi otro autor: EDUARDO CHILLIDA. 

Hace unos días, os presenté la exhaustiva búsqueda que hice de este artista, pero la forma en la que os la ofrecí quizás no fuese la más atractiva (y menos en la asignatura en la que estamos). 

Por ello, me puse manos a la obra. Tuve grandes ideas para hacer el mapa (o eso pienso yo😉). 

Lo primero que hice, como en el caso anterior, fue realizar algún boceto para la posterior realización. En este caso, no tuve tan claro ni el fondo que iba a poner ni la estructuración de la información. Aquí os dejo las dos ideas que más me gustaron. 

Figura 1. Primer boceto 

Figura 2. Segundo boceto 

¿Qué os parecen? En la primera imagen se puede ver la famosa escultura de El peine del viento y, en la segunda, otra escultura situada en el museo de este autor. 

Al final, me decanté por la segunda. Os preguntaréis por qué. Pues bien, esta obra es muy poco conocida y me sirve de homenaje al autor. 

Esta situada en el museo al aire libre Chillida Leku, un espacio utópico para el autor, que buscaba un bosque tranquilo en el que colocar sus esculturas y que la gente pudiese observarlas mientras daba un relajante paseo al aire libre. Pero algunas veces los sueños se hacen realidad, y este autor consiguió crear un espacio en el año 2000 situado en Hernani (Guipuzkoa), lleno de hayas, robles y magnolios, en el que, además de naturaleza, se podían observar obras de arte.
Este es el fondo que finalmente realicé y la escultura a la que hace referencia:

Figura 3. Fondo del mapa mental

Figura 4. Escultura de Chillida en el museo Chillida Leku

Bueno, después de haber contextualizado el fondo, os paso a explicar cómo realicé el mapa mental en sí. 

En primer lugar, situé en la base de la escultura el nombre y retrato del autor, junto con su fecha de nacimiento y defunción.

Figura 5. Chillida 

Como habéis podido ver, esta particular escultura tiene seis "brazos" que aproveché para situar su biografía. 

En el primer brazo que sale hacía la derecha, se encuentra la vida de este artista, sus aficiones, sus estudios y su dedicación a la carrera artística: en este caso, puse una imagen de la Facultad de Arquitectura de Madrid en la que estudió una parte de su vida, el escudo de la Real Sociedad, equipo de fútbol del que fue portero hasta su lesión y, finalmente, una paleta de pintor que representa su vena artística y su verdadera vocación. En el brazo de la derecha, se observan las influencias que siguió Chillida en sus creaciones: Picasso, Julio González y Brancusi.

Figura 6. Brazo derecho del mapa mental. 

Figura 7. Brazo izquierdo del mapa mental. 

Después, podemos ver dos pequeños brazos colocados encima de las extremidades anteriores: en uno situé el movimiento artístico que caracteriza a este autor (el arte abstracto) y en otro las principales técnicas empleadas en sus obras (el aguafuerte y el vaciado).

Figura 8. Corriente artística seguida por Chillida

Figura 9.Técnicas empleadas por Chillida 

Por último, dos grandes brazos sobresalen por encima de los demás. En ellos están situadas las dos etapas que caracterizan la carrera artística de Eduardo Chillida y las obras más representativas de la época, con su correspondiente nombre.

Figura 10. Obras de la primera etapa de Chillida

Figura 11. Obras de la segunda etapa de Chillida 

Y para finalizar esta entrada, os dejo el resultado final:

Figura 12. Resultado final del mapa mental. 

¿Os parece original? 

Espero que os haya gustado esta pequeña obra de arte en un DIN A3 y que disfrutéis mucho conociendo a este artista. 

¡Hasta la próxima! 

El arte de Josef Albers

¡Bienvenidos lectores!

El otro día, por casualidad, me topé con un artista contemporáneo que me intrigó y decidí comenzar a explorar sobre él. Su nombre es JOSEF ALBERS y esta entrada va dedicada especialmente a él.

Josef Albers es un pintor contemporáneo alemán, nacido en 1888. Estudio la carrera de Artes en Berlín y fue alumno de Fran Von Stuck, un pintor, grabador y arquitecto alemán que seguía las corrientes artísticas del simbolismo y el art nouveau, en la Academia de Munich y de Johannes Itten, un pintor, escritor y diseñador suizo.

Viajó por numerosos países aunque el que marcó su estilo fue Estados Unidos, al cual llegó después de su destierro de Alemania provocado por los nazis, mostrando así una transición entre el arte europeo tradicional y el arte norteamericano.

Es un pintor abstracto, que daba gran importancia a la forma y color de sus composiciones. Fue el fundador del movimiento OP-ART, basado en las ilusiones ópticas. Se convirtió en uno de los más grandes de los teóricos del color del siglo XX.

Su arte se centra principalmente en la tipografía, las vidrieras y el mobiliario.

Algunas de sus obras más famosas son Standing Bird (1917), Proto-Form (1938) u Homenaje al cuadro (1969), posiblemente una de las series de obras más conocidas de este autor.

Por ello, os voy a hablar un poco sobre esta serie de cuadros del pintor. En ella, utilizaba el mismo esquema de creación: cuatro cuadros superpuestos alineados situados en la parte inferior del lienzo. Absolutamente todas las obras de esta serie son iguales, variando su color. Con ello, el autor quería mostrar la importancia del color, ya que éstos no son inmutables, sino que la percepción varía dependiendo de la relación entre unos y otros. Además, estos cambios crean un efecto de profundidad.

Por ello, los colores cálidos se aproximan al espectador, envolviendo y produciendo una situación de tranquilidad y calma. En cambio, los colores fríos se alejan, distanciándose del que mira.

Figura 1. Homenaje al cuadro (Albers)

En este caso, he escogido esta obra: realizado en óleo sobre tabla y con unas dimensiones de 122 x 122 cm.

Los colores del cuadro están colocados así por una sencilla razón: el verde claro (o verde pistacho), es un color más cálido que el turquesa del fondo y el verde que está justo delante, por lo que el color pistacho parece que "flota", aunque nos siga transmitiendo la sensación e profundidad que quería transmitir el autor. Con este juego, el artista quería despistar al espectador para que se fijasen bien en la composición y les provocase un sentimiento de desconcierto.

Espero que haya sido interesante este post, ¡nos vemos!

BIBLIOGRAFÍA

Fernández-Villaverde, M. (2017, diciembre 12). Josef Albers [Entrada de blog]. Recuperado de https://www.elcuadrodeldia.com/post/168463633463/josef-albers-homenaje-al-cuadrado-1969-metropolitan

Josef Albers (s.f). En Wikipedia. Recuperado el 1 de mayo de 2019 de https://es.wikipedia.org/wiki/Josef_Albers

Moreno, V., Ramírez, E., de la Oliva, C., Moreno, E. et al. (2019). Biografía de Josef Albers. Recuperado de https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/468/Josef%20Albers

Esculturas con basura

¡Qué hay de nuevo!

Quizás esta entrada no sea la más atractiva por su título, pero cuando comencéis a leer os daréis cuenta que no es lo que parece, sino algo mucho más increíble.

Para comenzar, la escultura con basura consiste en crear auténticas obras de arte con numerosos elementos reciclados o en desuso para "buscarles una mejor vida". Muchos artistas en las últimas décadas han apostado por este arte para reducir la contaminación y cuidar el planeta. Pero en mi caso, me he centrado en una en especial: Jane Perkins.

Jane Perkins es una artista plástica británica que desde muy pequeña tenía una gran vocación por el dibujo y el bordado. Trabajó en sus inicios como enfermera y como ama de casa, aunque un buen día decidió dejar todas esas labores y dedicarse por completo al arte, por lo que se graduó en Textiles. En 2008 cambió el trabajo con textiles y comenzó a realizar pequeños retratos de personajes ilustres de nuestra época con bisutería rota, juguetes estropeados y pequeños objetos. Esta idea le vino de los peluqueros ecuatorianos que decoraban los peinados con piezas brillantes muy llamativas.

En un inicio fue una forma de diversión para esta artista tan peculiar, pero, poco a poco, comenzó a trabajar con materiales más grandes y su afición se convirtió en una forma de vida.

«Disfruto utilizando objetos que tienen una historia y amo el arte con una pizca de gracia y de chispa inesperada», cuenta Jane.

La artista aconseja mirar sus obras desde dos puntos: primero desde lejos para reconocer a la obra que ha reinterpretado y, después, desde la proximidad, para reconocer los objetos que ha empleado en su creación. Ella misma considera que su técnica se aproxima al puntillismo del siglo XIX, aunque de una forma innovadora.

Sigue la corriente artística del Junk Art, o arte de reciclar objetos y dar vida a obras llenas de magia y vida, que se construyen ensamblando diferentes elementos con diferentes características que, gracias a diversos efectos (como los juegos de luz y sombra, los colores...) vayan tomando forma.

El proceso seguido a la hora de crear sus obras es el siguiente: para empezar, utiliza una pistola de cola para distribuir todos los elementos y, una vez terminado, cubre todos los objetos con una capa de pegamento PVA diluido.

Os dejo algunas obras que ha realizado Jane Perkins para que podáis admirar la minuciosidad con la que coloca los objetos, fácilmente distinguibles, y lo conseguidas que están las reinterpretaciones de cuadros famosos:

Figura 1. Mona Lisa (Perkins) 

Figura 2. La joven de la perla (Perkins)

Figura 3. El puente japonés (Perkins) 

Aquí os dejo la página oficial de Jane Perkins por si queréis pasaros y observar todas las maravillosas obras que ha creado desde 2008: http://www.bluebowerbird.co.uk/

¡Hasta pronto!

BIBLIOGRAFÍA

Pérez Minguez, A. (2013, julio 13). El "Junk Art" de Jane Perkins. Recuperado de https://www.trendencias.com/lujo/el-junk-art-de-jane-perkins

Revista Biografía. (2011). Jane Perkins [Entrada blog]. Recuperado de http://sociedadedospoetasamigos.blogspot.com/2013/10/jane-perkins-artista-plastica-britanica.html

Sondemar, C. (2014). Jane Perkins. Recuperado de http://www.dintelo.es/jane-perkins/