lunes, 13 de mayo de 2019

Seguimos con el cómic

¡Bienvenidos!

Hoy os voy a contar lo que hicimos en la práctica del viernes pasado. Tuvo dos partes diferenciadas:
  • La primera consistía en realizar el personaje desde diferentes perspectivas. Si habéis leído la entrada que subí hace unas semanas y os acordáis, es de vital importancia tratar este tema en cualquier tarea, ya que da una sensación diferente a los dibujos. En mi caso realicé a Skrik desde tres perspectivas diferentes: de espaldas, de perfil derecho y de perfil izquierdo, ya que en los anteriores dibujos lo había dibujado totalmente de frente. 
Figura 1. Skrik desde diferentes perspectivas 
  • La segunda parte fue más orientada hacia el cómic en sí. Dividimos el cuento en cinco partes proporcionadas para que cada uno de nosotros dibujase una página del cómic representando la parte que le había tocado. En mi caso, elegí la mitad final del cuento, en la que Skrik, pasados unos años y de casualidad, mira hacia el cielo y descubre que la Tierra ya no se encuentra en su lugar. Este fue el resultado final: 
Figura 2. Página del cómic en blanco y negro 


Figura 3. Página del cómic con color

Figura 4. Parte coloreada y repasada con negro 
Figura 5. Resultado final con el fondo 
Os preguntaréis por qué os dejo tantas imágenes del mismo dibujo. Pues bien: es muy importante que os fijéis en la importancia que tiene el color en una composición, dándole fuerza y otro carácter distinto a un simple dibujo a lápiz. También quiero que os fijéis como repasar los dibujos (figura 4) y añadir un fondo acorde con la historia que se narra (figura 5) da otro sentido a la obra, acentuando las expresiones y elementos principales del dibujo. 
Por ello, no solo un cuento está formado del texto en sí, sino que también son fundamentales los dibujos, los colores... para transmitir al lector aquello que el autor quiere. Y yo considero que lo he conseguido (o por lo menos lo he intentado). 

Espero que os guste mi parte del cómic. Dentro de poco publicaré el cómic entero así que ESTAD ATENTOS. 
¡Hasta pronto! 

jueves, 9 de mayo de 2019

Seguimos de exposiciones

¡Bienvenidos lectores!

En la clase teórica del 9 de mayo hemos continuado con las exposiciones de los compañeros y sus artistas asignados. En este caso, nos presentaban el retrato realizado en la clase práctica del viernes anterior y así nos pudimos dar cuenta que la imaginación humana no tiene límites. Dónde ellos veían un pez, otros veíamos un fantasma...

Para continuar con mi labor de todas las semanas, hoy os traigo los términos más novedosos que surgieron en estas presentaciones:

  • Arte barroco: Estilo artístico surgido entre los siglos XVI y XVIII en la que una de sus principales características es el realismo y naturalismos, es decir, la representación fiel de la realidad a través de la pintura. En el caso del autor por el que surgió este término, Claudio de Lorena, trataba el clasicismo a través de la creación de paisajes como en su obra "El vado"
    Figura 1. El vado, Claudio de Lorena
  • Liber veritatis: Libro de numerosos dibujos realizados por Claudio de Lorena en el que dibujó todas sus obras en los que combinaba lápiz y acuarela (marrón o gris) realizando pequeños esbozos de sus composiciones. 
  • Edad de oro neerlandesa: Período de prosperidad surgido en Holanda en el siglo XVII que promovió la cultura en todos sus ámbitos (económico, social, artístico...), permitiendo el desarrollo de numerosos artistas de gran renombre hoy en día. 
  • Cámara estenopeica: Posiblemente, este fue el concepto que más me atrajo de las exposiciones ya que nunca había oído hablar de él. Consiste en mostrar la realidad tal y como la ven nuestros ojos. Para ello, el autor pinta exactamente lo que ve por su cámara oscura, obteniendo una composición desenfocadas debido a la falta de lente de esta cámara. Al realizar esto, se tiene que estar en una sala oscura en el que haya un foco de luz que se proyecte en un lugar y, en consecuencia, ofrece una imagen invertida de lo que se ve. Leonardo da Vinci, en el siglo XV, fue uno de los encargados de realizar estudios sobre este objeto tan peculiar y, a lo largo de la historia del arte, mucho autores la emplearon en sus creaciones, como es el caso de Jan Verneer, un autor cuyo interés por la luz y búsqueda de equilibrio en sus obras le lleva a ser una gran influencia para los impresionistas del siglo XIX.  
  • Surrealismo: Corriente literaria y artística surgido en 1924 en Francia que intenta dejar de lado lo real, apostando por lo irracional a través de la expresión automática del pensamiento del creados. (RAE) Uno de los pertenecientes a este movimiento fue Joan Miró, aunque también dedicó parte de su vida a realizar obras detallistas, como su obra Retrato de una niña
    Figura 2. Retrato de una niña, Miró (Pinterest)
  • Pintura flamenca: Estilo de pintura realizada entre los siglos XV y XVII en la que predomina el realismo de los detalles y un uso innovador de la pintura al óleo, que ofrece diferentes texturas a las obras artísticas. Algunos de los autores que realizaron pinturas flamencas fueron El Bosco, Jan Van Eyck o Piete Brughel "El Viejo", un pintor holandés centrado en realizar obras con muchos detalles como La torre de Babel
    Figura 3. La torre de Babel, Brughel "el viejo"
Espero que aprendáis mucho, ¡nos vemos! 

miércoles, 8 de mayo de 2019

Retrato de Skrik

¡Bienvenidos!

Hoy os contaré la práctica del pasado viernes en la que nos dedicamos a realizar un retrato de los personajes de "El viaje de Skrik".
En mi caso, me tocó realizar al personaje principal Skrik. ¿Qué os parece?


Realicé un retrato de plano medio corto o busto, es decir, desde la mitad del pecho hacia arriba. Con un lápiz, pasé a dibujar al extraterrestre en un papel reciclado de tamaño A3 aproximadamente. Posteriormente, perfilé ese dibujo, un fallo por mi parte ya que después condicionó el resto del proceso. Al pasar a pintar con temperas la superficie, en primer lugar pinté los hombros y brazos, limitándome a pintar del perfilado hacia dentro. Pero al pintar la cabeza ya comencé a salirme d esos límites y a disfrutar verdaderamente de lo que estaba haciendo, aunque hubo un problema, se me comenzó a mezclar el negro del perfilado, que aún no estaba seco, con el verde.
Le puse con una expresión de alegría, ya que está realizado antes de que Skrik partiese hacia la Tierra. Para ello, aproveché las posibilidades de los ojos y la boca.

Posteriormente, realicé el fondo naranja y morado, dibujé los dos planetas que se encuentran y coloreé la nave espacial (como ya había aprendido la lección, la perfilé después de pintarla).
Para finalizar, pasé a pintar la boca y ojos y perfilar todo el dibujo para obtener el resultado final.

Para realizar toda la composición únicamente empleé temperas de los tres colores primarios (magenta, cian y amarillo).

Figura 1. Primeros pasos

Figura 2. Dando color al retrato 
Figura 3. Resultado final del retrato 
                                    

Además, el marciano fue de color verde, un fondo naranja y morado, ya que estos colores pertenecen a una triada, es decir, se ubican unos a la misma distancia de otros, lo que hace que proporcione contraste a la composición sin interferir a la armonía.
En cuanto a los ojos azules👀, se produce una combinación analógica con el color verde del extraterrestre, debido a que se combinan dos colores ubicados uno al lado del otro, ofreciendo una impresión de tranquilidad.
Respecto a la nave espacial de Skrik, es de color amarillo, morado y azul, realizándose una combinación complementaria por separado. Se utilizan para ello los colores que están al lado de los opuestos.
También encontramos en el fondo dibujados dos planetas: la Tierra y Júpiter, en señal de que el pequeño marciano está decido a comenzar un viaje interestelar.

Ahora bien, ¿creéis que podría estar este retrato en una galería o museo de arte? Pues yo creo que sí, y os lo voy a demostrar.
Figura 4. Retrato de Skrik (Museo del Prado, Madrid)

¿Os gusta la nueva apariencia de Skrik? Se le ve con muchas ganas de viajar a la Tierra, ¿verdad?


¡Hasta pronto👋!


lunes, 6 de mayo de 2019

Mandalas

¡Hola a todos lectores!

Hoy vamos a hablar de un tema muy curioso y conocido: los mandalas. Seguro que muchos de vosotros los habéis hecho en algún momento de vuestra vida. Yo, por ejemplo, hacía todas las semanas en el colegio.

Los mandalas son representaciones de forma simbólica del micro y macro cosmos, procedentes de la India. Su nombre significa rueda o círculo, del sánscrito, por su forma generalmente circular que representa el centro del Universo.
Los budistas e hinduistas realizan mandalas como medida para meditar, ya que creen que su realización promueve una conexión entre el creador y la divinidad a la que representa, en busca de un equilibrio energético y una transformación personal, además de ser un medio de relajación y medio de armonizar nuestro mundo interior y exterior.

Dependiendo de la forma geométrica que tengan, tienen distintos significados:
  • Circular: Significa lo absoluto, la perfección, el cosmos, el cambio... 
    Figura 1. Mandala circular 
  • Triangular: Muestra la plenitud, la pasión, la vitalidad y la transformación del yo. 
    Figura 2. Mandala triangular (123RF)
  • Cuadrado: Transmite el equilibrio, la energía y el entusiasmo. 
    Figura 3. Mandala triangular (123RF)
  • Estrella: Significa la libertad, la salvación y plena imaginación. 
  • Pentágono: Representa la tierra, el agua, el fuego, la madera y el metal. En el ser humano muestra la inteligencia y el poder. 
    Figura 4. Mandala pentagonal (Pinterest)
  • Laberinto: Simboliza la búsqueda de uno mismo.
    Figura 5. Mandala en laberinto (123RF)
  • Mariposa: Muestra la evolución de la persona, la muerte y la renovación del alma. 
    Figura 6. Mandala mariposa (123RF)
A su vez, los colores que se otorgan a los mandalas tienen un significado concreto:

  • Blanco: Pureza, inocencia, simplicidad. 
  • Negro: Misterio, profundidad, tristeza. 
  • Gris: Paciencia, orden, seriedad. 
  • Amarillo: Optimismo, alegría, diversión. 
  • Rojo: Fuerza, pasión, energía. 
  • Azul: Paz, tranquilidad, armonía.
  • Rosa: Delicadeza, amistad. 
  • Naranja: Energía, calidez, entusiasmo. 
  • Verde: Esperanza, equilibrio. 
  • Morado: Misticismo, poder, autoridad. 
Espero que os haya parecido muy interesante, ¡hasta pronto! 




BIBLIOGRAFÍA 



Guerri, M. (2019). Los mandalas, origen y significado. Recuperado de https://www.psicoactiva.com/blog/los-mandalas-origen-significado/

Mandala (s.f). Recuperado el 6 de mayo de 2019 de https://es.wikipedia.org/wiki/Mandala

Pinterest (2019). Recuperado de https://www.pinterest.es/pin/819303357188872593/

Redacción Cromos (2016, agosto 11). La magia y el poder de los mandalas. Recuperdo de https://www.elespectador.com/cromos/horoscopo-y-predicciones-2013/articulo-145489-la-magia-y-el-poder-de-los-mandalas



sábado, 4 de mayo de 2019

Conoce a Tiziano

¡Qué hay de nuevo!

En la entrada de hoy, voy a contaros la vida de Tiziano para que profundicéis en el conocimiento sobre este autor o, los más novatos, puedan aprender de uno de los más grandes de la Historia del Arte.

Vecellio di Gregorio Tiziano, más bien conocido como Tiziano, fue un pintor italiano nacido en Pieve di Cadore en 1490, en el seno de una familia de gran renombre, y que muere en Venecia en 1576.
Se formó primero con Gentile Bellini, luego pasó al taller de Giovani Bellini y, posteriormente, acudió a la escuela de Giorgione. 
Sus principales influencias fueron Giorgione, uno de sus maestros venecianos, y otros pintores de esa cúpula de nombre menos conocido, así como Rafael, Miguel Ángel y Leonardo da Vinci

Perteneciente al renacimiento italiano, iniciado a finales del siglo XIV tras numerosos cambios sociales en la vida de Italia. Este término representa el interés de los artistas por rememorar tiempos pasados, centrándose en la antigüedad clásica.

La temática de sus obras se centra principalmente en la religión, con cuadros como La Piedad (1575), David y Goliat (1542) o La Asunción de la Virgen (1518), aunque también trata temas alegóricos como Alegoría de la Prudencia (1570), o temas mitológicos, tales como Venus de Urbino (1438) o Baco y Ariadna (1520).
También da una gran importancia a los retratos, siguiendo un esquema clásico utilizado por Rafael o da Vinci, en el que el personaje se encuentra sentado y se puede apreciar una ventana en el fondo con un hermoso paisaje dando profundidad a la composición. Algunos de sus retratos más famosos son Isabel de Portugal, Hombre con un guante (1520-22) o El Ariosto (1508).

Tiziano utiliza la técnica de óleo sobre lienzo o sobre tabla de madera (aunque es menos frecuente), que consiste en utilizar aglutinante de aceite para mezclar con los pigmentos que, al secar, se vuelve sólida y flexible. A su vez, el lienzo es un tejido de trama prieta con un grosor determinado de lino o algodón. Sus obras eran de grandes dimensiones, algo típico de la Escuela Veneciana.

En su primer etapa, de 1510 a 1515, sus obras estarán influidas por Giorgione, aunque dotando a las obras de identidad propia, confrontando los modelos antiguos con los grandes de la época tales como Rafael o Miguel Ángel. En esta época los temas que predominan son los alegóricos y profanos, con pinturas como Amor sacro o Adoración de los pastores. 

En su segunda fase, de 1516 a 1530, adquiere una identidad totalmente propia. Las obra tenían un gran vitalismo, logrado gracias al uso de colores brillantes. También apuesta por la monumentalidad de formas con obras como Bacanales u Ofrenda a Venus, de temática mitológica y profana. 

Al pasar a su tercera etapa, de 1530 a 1540, cambia radicalmente de estilo: frente a la vitalidad de la etapa anterior, apuesta por una pausa contemplativa en la que predominan los retratos y escenas narrativas. A esta época pertenecen obras como Carlos V con su perro o La virgen del conejo

En la cuarta fase, de 1540 a 1550, predominan el color y la luz frente a todo lo demás, deja de lado el naturalismo ilusionista y cambia a la técnica de manchas de color. Pertenecen a esta etapa obras tales como Carlos V a caballo o Paulo III con sus nietos

También tuvo un periodo manierista, de 1541 a 1545, mostrando en sus pinturas ensueños y a su vez realidades terrenales robustas impregnadas de sensualidad. Aquí se encuentran obras como La visión de San Juan evangelista, Carlos V en la batalla de Muhlberg o Caballero inglés.  

La quinta fase, de 1551 a 1559, trata la temática religiosa y mitológica en la que la expresividad muchas veces queda en un segundo plano la expresión del dramatismo y la composición frente al color y los efectos de la luz. En esta etapa se sitúan pinturas como Adonis y Dánae o Diana y Calixto. 

En su último período, de 1560 a 1576, Tiziano va anticipando el impresionismo, en el que el espacio tiene una visión personal, mística. Tras la muerte de su mujer y su mejor amigo, el pintor entra en un momento angustioso que plasma en sus obras una atmósfera triste y desoladora. Pertenecen obras como El entierro de Cristo, Coronación de espinas o Marsias desollado. 

Como buen retratista que era, Tiziano plasmó algunos autorretratos como este, realizado en una edad muy avanzada de su vida.
Figura 1. Autorretrato de Tiziano 
Además, os dejo algunas obras del autor: 
Figura 2. Entierro de Cristo 

Figura 3. La piedad

Figura 4. Retrato de Ariosto

Figura 5. Virgen con el niño 


¡Hasta la próxima!





BIBLIOGRAFÍA
Alegre Carbajal, E. (2018). Tiziano (1490-1576). Recuperado de http://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=tiziano

Alejandro (2012, abril 28). Pintura y arte: Tiziano [Entrada blog]. Recuperado de https://isthar-mitologia.blogspot.com/2012/04/tiziano.html

Biografías y vidas (2019). Biografía de Tiziano Vecellio. Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/t/tiziano.htm

Renacimiento italiano (s.f). Recuperado de el 2 de mayo de 2019 de https://es.wikipedia.org/wiki/Renacimiento_italiano

Todo cuadros (2019). Tiziano. Recuperado de https://www.todocuadros.es/pintores-famosos/tiziano/

jueves, 2 de mayo de 2019

Portada del cuento

¡Bienvenidos otra vez😊!

¿Recordáis el cuento "El viaje de Skrik" que publiqué hace unos días? Pues todo buen cuento necesita una portada, y el mío no iba a ser menos.

Así que aquí os dejo la portada y la contraportada y el método que utilicé para ello.



Decidí realizar la portado empleando una técnica mixta: hice un collage, recortando y pegando elementos. Para añadir el título, mi nombre (en la portada) y el breve resumen (en la contraportada) utilicé la aplicación digital de GIMP, usando una letra CURL en color blanco.

En primer lugar, imprimí los elementos que veis. Tenía un Universo como fondo; luego el planeta Tierra (de la que solo empleé la mitad); la obra de mi artista, Elogio del Horizonte de Eduardo Chillida; los planetas del Sistema Solar; restos de residuos de color rojo; y mi personaje principal Skrik, al cual dibujé a mano, cambiándole la expresión de la cara y la posición de los brazos para expresar su indignación por la destrucción del planeta.

Comencé a recortar los objetos💪. Creo que esta parte fue la más "complicada" del proyecto porque tenía unos componentes muy pequeños y con numerosas formas, y yo únicamente tenía unas tijeras para recortar.
 Sobre el fondo del Universo pegué, en la parte inferior derecha, la mitad de la Tierra, con la obra de Chillida encima de este planeta y Skrik en su superficie.
Después pegué los planetas distribuidos de forma aleatoria y los residuos por el fondo que quedaba libre del Universo. También pegué las latas, botes... que tenía de forma libre, pero todos guiados hacía un mismo punto.
Con ello, he intentado transmitir la sensación de que Elogio del Horizonte es un contenedor gigante por el que se cuelan los desechos de todos los planetas, convirtiéndose nuestro planeta en el basurero del resto del Sistema Solar (si habéis leído mi libro, entenderéis a la perfección el sentido de la portada, o eso me gustaría😊).

Ahora bien, para llevar a cabo esta creación, me centré en las figuras retóricas visuales de la repetición o anáfora, ya que, los residuos que he añadido (latas, bolsas de basura, botes de cristal y de ketchup...) se repiten de forma intermitente; la personificación, debido a que Skrik está representado en la Tierra como un humano más, con capacidad de hablar, pensar y sufrir las consecuencias del cambio climático; o la metáfora a la hora de representar la obra Elogio del Horizonte como un contenedor.
Además, utilicé diversos elementos de color rojo, existiendo una gran coherencia, que sirve para que el espectador guié su mirada hasta el punto central dónde acaban los objetos: la superficie terrestre y el "contenedor", ofreciendo movimiento a la portada y estableciendo una estrecha relación con los zapatos de Skrik, que también eran rojos.

Si vieseis esa portada en un libro, ¿tendríais ganas de leerlo? Espero que sí 😄

¡Hasta pronto!



Casi acabamos...

¡Hola lectores!

El semestre está llegando a su fin y, como no, las exposiciones también. Queda muy poca gente por exponer ya y se nos acercan los exámenes finales. Pero ese nunca es motivo para dejar de daros a conocer los pequeños descubrimientos que hago en las exposiciones.

En el caso de hoy, han expuesto cinco compañeros. Sus exposiciones se basaban en el proyecto dos artistas, presentándonos mediante ellos los cuentos realizados y las portadas de dichos cuentos. 
Se han tratado numerosos conceptos, aunque los más llamativos han sido los siguientes:

  • Romanticismo: Movimiento artístico y literario surgido en el siglo XVIII. Con esta corriente, se busca la evasión de lugares y épocas pasadas, en busca de olvidar las guerras napoleónicas que ocurren en Europa en el siglo XIX. En sus obras quieren plasmar las emociones, mediante numerosos colores y la luz. Algunos de los artistas mencionados hoy que siguen esta corriente son Caspar David Friedrich, perteneciente al romanticismo alemán, o John Constable, el cual reflejaba una visión de la verdad de su comarca mediante trazos  y manchas superpuestas para captar un instante fugaz. 
  • Retórica visual: Es una herramienta que se emplea para conectar los significados de los componentes de una producción visual. 
  • Expresionismo: Movimiento artístico y literario del siglo XX que busca expresar las emociones, en vez de plasmar la realidad. Es decir, les interesa la expresión subjetiva de sus sentimientos, rechazando la objetividad. En este caso, el término surgió a partir de la exposición del autor Óscar Kokoschka
  • Cianotipia o blue print: Sistema de impresión inventado en Ingleterra en 1842 por Josh Herchel. Se obtiene una imagen azul prusia, siendo el resultado de un proceso de revelado en el que se emplea citrato de amonio y hierro y ferricianuro de potasio. Al mezclarse, se obtiene una solución que moja el soporte en el que vamos a realizar la impresión. En la década de los 70, esta técnica se hizo muy popular y fue usada por artistas como Robert Rauschenbers. Aunque no solo es usada por artistas, sino que muchos arquitectos la emplearon para copiar planos. 
  • Pictorealismo: Movimiento surgido por la necesidad de los fotógrafos de imitar la pintura. 
  • Combinados: Mezcla de distintas disciplinas  en un proyecto artístico. Es decir, en una misma obra puede haber pintura y escultura. Esta técnica fue empleada por el artista Robert Rauschenbers. 
Otra técnica que me sorprendió fue el tallado en ladrillo, formando esculturas. Este método es empleado por Henry Moore, un escultor británico que, en la última de sus etapas significativas se dedicó a realizar esculturas en ladrillo. Aquí os dejo un ejemplo de este tipo de esculturas: 
Figura 1. Wall Reliief (Henry Moore)
Por otra parte, las portadas que nos presentaron los compañeros estaban realizadas de distinta forma: unas fusionando obras, otros eran dibujos realizados a mano, usando Photoshop..., además de emplear diferentes figuras retóricas visuales. Aunque cada uno eligiese la manera de hacerlo, todas ellas tenían un gran valor y un significado específico. 


¡Hasta pronto👏! 



BIBLIOGRAFÍA 
Acaso, M. (2012, abril 13). El concepto de retórica visual [Entrada blog]. Recuperado de https://imagencion.wordpress.com/2012/04/13/el-concepto-retorica-maria-acaso/

Fredigoni (2019, septiembre 25). ¿Qué es la cianotipia? [Entrada blog]. Recuperado de http://www.fedrigoniclub.com/catalogo/que-es-la-cianotipia/ 

Pérez, T. (2018, abril 27). La pintura del siglo XIX: El romanticismo [Entrada blog]. Recuperado de http://tom-historiadelarte.blogspot.com/2007/05/la-pintura-del-siglo-xix-el.html

Pérez, J. y Gardey, A. (2018). Definición de expresionismo. Recuperado de https://definicion.de/expresionismo/