El color en la publicidad

¡Hola a todos! 

Hoy voy a tratar un tema que considero de gran importancia, no solo orientado hacia la asignatura en la que nos encontramos (Expresión Plástica) sino para nuestro día día. El tema es el uso del color en la publicidad. 

No se si os habréis fijado, pero todos (o casi todos) los anuncios que podemos encontrar en los medios de comunicación relacionan el color de los diferentes elementos del anuncio con el producto que se quiere vender. Con ello, los comerciantes dan una personalidad única a sus productos que influyen directamente sobre los sentimientos de los espectadores, consiguiendo su principal fin: vender el mayor número de productos posibles. 

La utilización del color cumple, principalmente, tres funciones básicas entre todos los públicos, los cuales son: 

1. Aumentar el nivel de atención. 
2. Hacer más próxima la realidad a aquel que mira. 
3. Crear un vinculo entre lo presentado en el anuncio y lo presentado en cualquier tienda. 

Para que el anuncio enganche al mayor número de personas posibles, se deben tener en cuenta diversos aspectos, tales como: 

• Público al que va dirigido. 
• Sensaciones que se quieren transmitir mediante el anuncio. 
• Estrategias que se van a tratar para que el anuncio cale entre la población. 

Por ello, el uso de color en publicidad varía dependiendo de la imagen del producto que se  quiera proyectar. 

Además, los colores tienen una longitud de onda determinada, lo que hace que nuestros ojos interpreten ese color de una u otra forma. 

Por ejemplo, el amarillo ubicado en el centro es un color luminoso y neutro, y ayuda a trasmitir prevención. 

El rojo colocado en el extremo da la sensación de acercamiento a lo que se mira. Al ser el color de la energía, capta la atención del espectador. Pero tiene sus connotaciones negativas tales como la desconfianza, el crimen, la rabia... 

El negro, blanco, plata y oro son colores muy sofisticados, por lo que se usan en los logotipos de marcas de lujo. A pesar de ello, pueden tener connotaciones negativas como la frialdad, la soledad, el vacío o la muerte. 

El azul, por su parte, transmite tranquilidad. lo que ayuda a comunicar estabilidad. 

Un dato que me llamó bastante la atención al realizar esta investigación fue que los espectadores prefieren unos u otros colores dependiendo del sexo y la edad, aunque, de manera general, los colores que menos gustan en publicidad son el naranja, el marrón y el gris. 

Os dejo por aquí imágenes de algunos anuncios publicitarios para que observéis la teoría que os acabo de contar aplicada en la práctica. 

                                         

En este anuncio se puede observar como hay muchos detalles de color naranja (la ropa de los jugadores de baloncesto, los bañadores de la gente, la máquina expendedora...) que se relacionan con el producto que se vende: la Fanta de naranja, creando una estrecha relación entre las acciones que realizan los protagonistas del anuncio que muestran diversión, con el producto que se anuncia. 

 Otro caso es el siguiente: 

Figura 1. Anuncio Raid (Recuperado de Neo Attack)

En él, podemos ver como se anuncia el insecticida de la marca Raid, cuyo envase es de color rojo y podemos ver a la vez la mano de uno de los super héroes más famosos, Spiderman, que va también vestido de ese color, generándose una estrecha relación entre lo que se anuncia (un insecticida) y su utilidad (matar insectos, como una araña, género al que pertenece Spiderman). 

Espero que con esta entrada reflexionéis sobre lo que veis en la publicidad y os paréis un momento a pensar si los anuncios causan en vosotros las expectativas que tienen sus creadores. 

¡Adiooos lectores! 👋

BIBLIOGRAFÍA 

Activo, S. (2009, mayo 23). Anuncio Fanta. Recuperado de https://www.youtube.com/watch?v=gwsZM2eiZXU

Hernández, M. (2014, junio 3). La importancia del color en publicidad y cómo afecta a la marca [Entrada blog]. Recuperado de https://notecopies.es/noticias/imagen-grafica/el-poder-del-color-en-publicidad/

Imagen recuperada de https://neoattack.com/100-mejores-anuncios-publicitarios-creativos-del-mundo/

Pixel Creativo (2014). Psicología del color en la publicidad (connotaciones y denotaciones). Recuperado de http://pixel-creativo.blogspot.com/2013/06/psicologia-del-color-en-la-publicidad.html

Cómic final

¡Hola a todos! 

Hoy, después de semanas e incluso meses esperando, por fin podemos mostraros el cómic entero. 

En primer lugar, os mostraré las imágenes de las páginas que realizaron mis compañeros ordenadas siguiendo la linealidad de la historia (también he incluido mi parte, la que os presenté hace unos días, para que no os perdáis ni un solo detalle de la historia). 

Como podéis ver, repasé con un rotulador negro de punta fina cada uno de los elementos de las viñetas correspondientes a la parte asignada a cada compañero. En el caso de mis viñetas, empleé un bolígrafo negro, por ello, las siluetas de las imágenes quedan menos remarcadas. Después, pasé a pintar cada una de ellos, porque, como bien os llevo diciendo todo el semestre, el color da otro aspecto a la composición. 

Utilicé materiales diferentes a la hora de colorear mis imágenes y las de mis compañeros, ya que para las segundas disponía de más material (ceras, lápices de muchos colores, rotuladores...), por ello, posiblemente se vean diferentes. Además, al trabajar sobre fotocopias el trabajo fue más difícil para evitar que se notase que era una copia y no el original. 

Finalmente, pasé a poner fondo a cada viñeta y añadí pequeños detalles a las imágenes, ya que sino quedaba un cómic demasiado austero como para embelesar a nuestros futuros alumnos y que realmente sirviese para concienciarlos sobre la importancia de cuidar el medio ambiente. También repasé con el mismo rotulador mi parte del cómic para que todas las partes quedasen más o menos equilibradas. 

Y estos fueron los resultados, pero ahora ya, os los voy a mostrar con su parte del cuento correspondiente, para que comprobéis si realmente se asemejan las imágenes a lo que vosotros os habíais imaginado. 

"Skrik , un pequeño marcianito con muchas ganas de viajar,  llegó a la Tierra un martes por la noche. Era invierno, pero no lo parecía. Hacía mucho calor y se podía estar sin abrigo. El extraterrestre encontró en un tendedero algo de ropa para camuflarse y comenzó su aventura.

El pequeño marciano siempre había tenido gran ilusión por llegar a este planeta. Desde Saturno se veía precioso: todo azul y verde.

Poco a poco comenzó a conocer a los habitantes de ese planeta tan maravilloso. Pronto, se hizo amigo de Afra, un delfín que vivía en el mar, cerca de donde aterrizó. Ella le contó su historia: de pequeña su padre había muerto a causa de los plásticos que acababan en el mar. Y su madre fue la encargada de criarla junto con sus hermanos, intentando no tener el mismo destino que su padre.

                            

Skirk no podía creerlo, pero al pasar el tiempo, se sorprendió de la actitud de algunos seres vivos que encontraba en su camino: algunos tiraban papeles y latas al suelo, habiendo una papelera a escasos metros; otros iban en coche a todos los sitios, por muy cerca que estuvieran (con el buen tiempo que hacía…); algunos tenían las luces de casa todo el día encendidas o gastaban más agua de la necesaria; otros juntaban toda la basura que acumulaban en la misma bolsa y la tiraban en el mismo contenedor y eso que había de tres colores diferentes.

El visitante no podía creer aquella situación. Con lo bonito que era todo desde fuera… y lo estaban estropeando sin darse cuenta (o sin querer darse cuenta).

Llegada la primavera, el pequeño marciano decidió coger su nave y marcharse de la Tierra (un poco decepcionado) de regreso a su planeta. Después de despedir a Afra se marchó.

Y pasaron los años y Skrik se hizo mayor. Y un día, por casualidad, miró al cielo y no vio lo que buscaba: la Tierra hacía desaparecido. ¿Qué habría pasado con ella? ¿Qué habría pasado con todos sus habitantes? ¿Y qué habría sido de Afra?

Después de tantos años y de la terrible contaminación que hubo, la Tierra había dejado de ser un planeta. Todos sus recursos se habían agotado y no quedaba nadie allí. Muchos seres vivos tuvieron que emigrar a Marte.

Finalmente, la Tierra se había convertido en el vertedero del resto de planetas, lleno de basuras y desperdicios que habían cambiado el verde y el azul por negro.

Desgraciadamente ocurrió lo que Skrik temía desde que visitó el planeta: por el egoísmo y la falta de educación, los humanos habían acabado con lo más bonito que les había dado la vida: un lugar donde vivir."

Bueno, he de deciros que, personalmente, no son los resultados que yo esperaba. Es decir, en mi cabeza el cómic tenía otro aspecto diferente, pero, al trabajar en equipo, cada uno tiene ideas diferentes y, llegando a un consenso, decidimos que esta era la mejor forma de mostraros "El viaje de Skrik". 

Espero con todas mis ganas que os haya entusiasmado tanto como a mi hacerlo (aunque lo veo muy difícil) y que valoréis todo el trabajo que lleva detrás. 

¡Hasta pronto lectores! 

La traición de las imágenes

¡Hola a todos!

Hoy os vengo a hablar de la obra de René Magritte, La traición de las imágenes, una colección

de cuadros famosos principalmente por uno que os mostraré a continuación, cuyo logo principal es "Ceci n´est pas une pipe" (que traducido al español sería "esto no es una pipa").

Figura 1. La traición de las imágenes (Magritte) 

Esta obra fue realizada en 1928 por Magritte (uno de los autores presentados en nuestras exposiciones), un famosísimo pintor e intelectual belga que perteneció a la corriente surrealista, cuyas obras se centran en la relación entre los objetos que muestra y el lenguaje, ofreciendo al espectador la oportunidad de reflexionar sobre lo que ve.

Respecto al análisis formal de la obra, está realizada en óleo (o pintura al aceite) sobre lienzo y ocupa unas dimensiones de 60 x 81 cm. En ella, se ve pintada una pipa de color marrón y negro, con un fondo neutro uniforme de color beige y un escrito en cursiva en el cual pone "Ceci n´est pas une pipe". En la parte inferior derecha, podemos apreciar la firma del autor.

Esta obra se encuentra en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA), en Estados Unidos.

Por su parte, en esta obra, "Ceci n´est pas une pipe", el autor muestra la confusión que causa la pintura, ya que lo que se ve no es la realidad, sino una representación de esa realidad, porque esa pipa ni se puede oler, tocar, usar... Y, según dijo el propio autor, «¿Quién se atrevería a mantener que la representación de una pipa es una pipa? ¿Quién podría fumar en la pipa de mi cuadro? Nadie. Por lo tanto no es una pipa». Este simple matiz está acentuado por la inscripción que aparece en el cuadro, ya que nos hace cuestionarnos tres puntos básicos: el lenguaje, la representación y la realidad en sí.

Con ello, buscaba mostrar que el arte, por muy realista que fuese, nunca llegaría a realizar una copia fiel de la realidad experimentada a partir de nuestros sentidos, sino que creaba un mundo simbólico paralelo.

La paradoja de este cuadro ha sido tratada por muchos novelistas y filósofos, usado en colegios e institutos para hacer ver a los alumnos la realidad y la representación de esa realidad.

Otros cuadros de este autor fueron La clef de songes, Les vacances de Hegel o El espejo falso, una de las obras de las que se habló en las últimas exposiciones.

Figura 2. La clef de songes (Magritte)

Figura 3. Les vacances de Hegel (Magritte)

Figura 4. El espejo falso (Magritte) 

Me encantaría que con esta entrada reflexionarais sobre la realidad y la ficción (no solo en el arte, sino en diversos aspectos de la vida), que, aunque muchas veces parezcan iguales, tienen pequeños detalles que las hacen completamente diferentes, algo que intentó plasmar a lo largo de su carrera René Magritte.

¡Nos vemos!

BIBLIOGRAFÍA

Biografía y vidas (2019). René Magritte. Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/magritte.htm

El país (2016, septiembre 21). La clef de songes. Imagen.

El país (2016, septiembre 21). Les vacances de Hegel. Imagen.

Fernández-Villaverde, M. (2014, febrero 15). René Magritte: “La traición de las imágenes" [Entrada blog]. Recuperado de https://www.elcuadrodeldia.com/post/90284510753/ren%C3%A9-magritte-la-traici%C3%B3n-de-las-im%C3%A1genes-esto

García Campos, M. (2013, diciembre 29). Surrealismo artístico: Análisis de 'La traición de las imágenes'. [Entrada blog]. Recuperado de http://surrealismoartistico.blogspot.com/2013/12/analisis-de-la-traicion-de-las-imagenes.html

Historia del arte (2019). La traición de las imágenes. Imagen.

Historia del arte (2019). La traición de las imágenes. Recuperado de https://historia-arte.com/obras/la-traicion-de-las-imagenes

Siroco (2013, julio 6). The false mirror. Imagen.

Sprezzatura

¡Hola a todos!

El otro día viendo una serie me topé con un término que me pareció muy interesante, por eso, quiero compartirlo con vosotros. Dicho concepto es SPREZZATURA, que, en italiano, se traduce como "desdén". 

Esta palabra es un concepto italiano que surge en el siglo XV, desarrollado por Baldassarre Castiglione en su obra literaria El Cortesano. En este manual de urbanidad, el término se refiere a una cualidad que debe tener todo buen príncipe o cortesano, dejando que las cosas no le influyan y manteniendo una actitud distante.

Parece no tener ninguna relación con el arte, pero no es así.

La sprezzatura fue tratada en el manierismo, en la que es entendida como una "negligencia intencional" por autores como Vasari. Es decir, una forma de aparentar naturalidad, de indiferencia, de disimular el esfuerzo que conlleva crear una gran obra de arte, algo que el pintor Tiepolo, unos de los más grandes autores, que con un una actitud de desdén, pretendía burlarse de la vida. Una de sus principales obras fueron los frescos del Palacio Real de Madrid. En otros términos, se puede definir como la elegante soltura con la que los artistas se encargaban de decorar, con una actitud estética y moral (tener fe y creer en lo que ellos mismos hacen). 

Algunos de las pinturas del Palacio Real realizadas por Tiepolo son estas: 

Este concepto tan llamativo fue muy criticado en los siglos XIX  y XX, por la búsqueda continuada de esconder el trabajo que conlleva realizar las obras de arte. Aún así, muchos autores han seguido apostando por la sprezzatura, como Roberto Calasso, que trata este tema en sus diversas novelas. 

¿Creéis realmente que estas obras no conllevan un gran trabajo? Yo creo que sí, la verdad. Que para realizar estas auténticas obras de arte se necesitan muchas horas de trabajo y mucha paciencia. 

¡Hasta pronto!

BIBLIOGRAFÍA 

Calvo Serraller (2009, marzo 21). Sprezzatura.  El país. Recuperado 20 marzo 2019 de https://elpais.com/diario/2009/03/21/babelia/1237593972_850215.html

El fin

¡Bienvenidos!

Hoy, sí que sí, han finalizado las exposiciones. Los 60 alumnos hemos pasado por la tarima presentando a nuestros autores, sus obras y nuestras prácticas, y hemos podido ver la diversidad de estilos, técnicas, autores... que hay en la Historia del Arte, pero también hemos conocido la imaginación de cada uno un poco más a fondo.

En las 10 exposiciones que cerraron el semestre, muchos términos han resaltado frente a los demás y, como no podía ser menos, os los voy a contar.

El primero de ellos fue neoexpresionismo (la tercera generación del expresionismo alemán), un movimiento pictórico de los años 60, en el que predomina la agresividad, temas muy revolucionarios y uso de imágenes fácilmente reconocibles. A él, pertenece el autor Anselm Kiefer, famoso por sus pinturas matéricas, un movimiento artístico consistente en una pintura abstracta realizada con diversas materias tales como arena, tela, chatarra... además de completar la obra con cortes, perforaciones... dando un cierto relieve a la composición. También destaca por su creación de collages o ensamblajes en los que fusiona pintura, escultura y fotografía empleando pinceladas violentas y materiales diversos como yeso, barro, alquitrán...

El concepto de postmodernismo americano, el cual refleja una desilusión cola vida, cuyos autores apuestan por el progreso tratando temas diversos como el feminismo, el Tercer Mundo o grupos marginados de la sociedad. Este concepto surgió en la exposición de David Salle, el cual empleaba una técnica muy peculiar en la yuxtaponía imágenes. Este autor, por su parte, que se nutre del pop art.

Al conocer a Giorgio Di Chirico y su periodo metafísico (1916) reflejado en uno de sus cuadros Las musas inquietantes, pudimos conocer lo que era la pintura metafísica. Este es un movimiento artístico italiano surgido en 1916 creado por este autor en colaboración con Carlo Carrá. Nace debido a la gran pasión de ambos autores por la ciudad de Castello que inspira a crear atmósferas oníricas en sus obras, además de interesarse por pinturas del Trecento, Quattrocento, la cultura nórdica extrapictórica y la pintura clásica.

Figura 1. Las musas inquietantes (di Chirico)

También surgió el concepto de futurismo italiano, una corriente tanto literaria como artística del siglo XX que pretende mostrar una visión futura del mundo, respondiendo así en las formas expresivas al dinamismo de la técnica moderna y de la sociedad en sí. Con este movimiento, los artistas pretendían una trasformación del ser humano, tomando como referencia las características propias de una máquina.

A través de Jackson Pollock (que sigue la corriente del expresionismo abstracto, al igual que Munch), conocimos la técnica dripping, una técnica característica del Action Painting que consiste en dejar chorrear la pintura sobre el soporte manteniendo un control parcial de ésta para colocar con exactitud la pintura, para crear efectos al jugar con la densidad, la viscosidad...


En la exposición de Marc Chagall se dio a conocer que un mismo autor puede seguir muchas corrientes artísticas a la vez, y , en el caso de este autor, son el surrealismo, el expresionismo ruso y el cubismo. Este último fue una corriente artística que nace gracias a Picasso, que rompe con la perspectiva tradicional, tratando únicamente formas geométricas que parten de la naturaleza.  

Por otra parte, conocimos de primera mano a René Magritte, un pintor surrealista simbolista que mostraba imágenes ambiguas.

Finalmente, con Giorgione, conocimos las principales características de la Escuela Veneciana, tales como pincelada suelta, contraposición de colores fríos y cálidos (por ejemplo, el rojo veneciano en los ropajes frente a los grises y azules), gran importancia del paisaje y la atmósfera en la que se representa la obra, gusto por temas mitológicos...

Espero que os hayáis entusiasmado leyendo cada entrada sobre las exposiciones y hayáis aprendido mucho sobre ello. ¡Hasta pronto!

BIBLIOGRAFÍA
Aparences (2019). La pintura metafísica. Recuperado de https://www.aparences.net/es/periodos/arte-moderno/la-pintura-metafisica/

ArtEspaña (2005, enero). Futurismo. Recuperado de https://www.arteespana.com/futurismo.htm

Art Pill (2013, octubre 16). ¿Qué es el Dripping?. Recuperado de http://artpill.blogspot.com/2013/10/que-es-el-dripping.html

Arkiplus (2019). Características del postmodernismo. Recuperado de https://www.arkiplus.com/caracteristicas-del-arte-posmoderno/

Cubismo (s.f). Recuperado de https://es.wikipedia.org/wiki/Cubismo

Neoexpresionismo (s.f). Recuperado de https://es.wikipedia.org/wiki/Neoexpresionismo

Pinterest. Recuperado de https://www.pinterest.es/pin/502925483379969395/

Pintura matérica (s.f). Recuperado de https://www.ecured.cu/Pintura_mat%C3%A9rica

Wassil Kandinsky

¡Bienvenidos!

Hoy os vengo a hablar de WASSILY KANDINSKY, un artista contemporáneo. Este autor me gusta bastante y, hace un par de años, acudí a una exposición en la que había algunos de sus cuadros. En ese momento todavía no conocía al pintor pero, en el momento en que vi un cuadro, me encantó. Por ello, quiero levantar esa pasión en vosotros. Y para ello, os le doy a conocer.

Kandinsky fue un pintor ruso que nació en Moscú en 1866 y murió en Neuilly-sur-Seine en 1944. Estudió derecho y economía, aunque abandonó esos estudios por las clases de pintura.

Sus principales maestros fueron Franz Von Stuck, un pintor, escultor y grabador alemán pertneciente al movimiento artístico del simbolismo y art nouveau. 

Por otra parte, sus principales influencias fueron Rembrandt, un pintor, grabador y retratista de los Países Bajos perteneciente al siglo de oro neerlandés centrado en la pintura religiosa, mitológica e histórica, y Monet, un pintor francés de finales del siglo XIX y principios del siglo XX perteneciente al impresionismo, aunque también se interesa por las obras de Fauves o Matisse. 

Pero también estudió en profundidad la cultura primitiva u las manifestaciones artísticas populares rusas que utilizaban mucha decoración en sus composiciones. 

Kandinsky es un fiel seguidor del arte abstracto, que prescinde de la representación figurativa de la realidad, sustituyéndolo por un lenguaje visual que pretende abstraernos de lo real, dando un significado propio a las composiciones, combinando líneas y colores. 

En el caso de este autor, consiguió llegar a una abstracción llena de sentimiento, despertando la emoción de los espectadores. Por ello, muchas obras no tienen título, dando rienda suelta a la imaginación de quien mira.
Una de las frases de este autor que pasó a la historia fue "Es bello lo que procede de una necesidad interna del alma", en la que identifica la pintura como una necesidad del ser humano por expresar su sentimientos y emociones de una forma diferente a la tradicional. 

En sus obras, se suelen encontrar formas abstractas llenas de color que flotan en un espacio imaginario, lo que ofrece un gran dinamismo a la composición debido a la gran fluidez de las manchas. En los cuadros podemos observar las explosiones de color y diversas siluetas que se transforman ante los ojos del espectador. 

Kandinsky trabajó principalmente el óleo sobre tela o lienzo en su primera etapa, aunque en las etapas posteriores se centró en trabajar la técnica de la tinta, acuarela y lápiz o acuarela y cera.

En un primer momento, el autor siguió la corriente artística del postimpresionismo, el fauvismo y el Juendstil alemán (que corresponde a las expresiones artísticas del modernismo que buscan renovar el arte). 

Entre 1902 y 1907 se dedicó a pintar paisajes alpinos de la zona de Francia, Italia, Rusia y los Países Bajos. En ese momento se dio cuenta que la representación figurada de los objetos debía ser secundario y que la belleza de sus composiciones estaba principalmente en la riqueza cromática y la simplificación de las formas. 

En su siguiente etapa, apostó por la experimentación cromática en la que plasmaba su impulso vivencial, sintetizando la espiritualidad y la naturaleza y sus formas. Entre 1910 y 1914 agrupó sus obras en tres características: impresiones (fruto de su gusto por la naturaleza); improvisaciones (expresando sus emociones); y composiciones (mezclando lo intuitivo y un rigor compositivo, formado por líneas gruesas de color negro con colores muy vivos). 

Al trasladarse al Bauhaus, en Moscú, comenzó su transición hacia una mayor estructuración compositiva y formal, considerado el periodo arquitectural de sus pinturas. 

Posteriormente, pasó a experimentar con los trazos circulares y concéntricos. 

Al final de su vida, y tras su clausura por los nazis, siguió con la búsqueda de formas inventadas siguiendo el patrón de formas geométricas y motivos decorativos eslavos. 

Algunos de sus cuadros más significativos fueron: Composición ocho (1923), Amarillo, rojo y azul (1925), Estudio de color con cuadrados (1913), Cielo azul (1940) o Murnau (1910), todas ellas pertenecientes a la abstracción lírica basada en la expresión de la emoción del artista, indiviudal e inmediata, que apuesta por la acuarela como técnica principal.
A continuación, os dejo algunas de sus obras para que veáis el estilo de forma directa:

Figura 1. Cielo azul (Kandinsky)

Figura 2. Amarillo, rojo y azul (Kandinsky)

Figura 3. Murnau (Kandinsky)

Figura 4. Composición en ocho (Kandinsky)

Figura 5. Estudio de color con cuadrados (Kandinsky, recuperado de Todo Cuadros)

Espero que os encanten las obras de este autor y haya sido un gran descubrimiento para vosotros, ¡hasta pronto! 

BIBLIOGRAFÍA 

ArtEspaña (2006, julio). Abstracción y pintura abstracta. Recuperado de https://www.arteespana.com/pinturaabstracta.htm

Biografías y vidas (2019). Vasíli Kandinsky. Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/k/kandinsky.htm

Todo cuadros (2019). Wassily Kandinsky. Recuperado de https://www.todocuadros.es/pintores-famosos/kandinsky/

Seguimos con el cómic

¡Bienvenidos!

Hoy os voy a contar lo que hicimos en la práctica del viernes pasado. Tuvo dos partes diferenciadas:

• La primera consistía en realizar el personaje desde diferentes perspectivas. Si habéis leído la entrada que subí hace unas semanas y os acordáis, es de vital importancia tratar este tema en cualquier tarea, ya que da una sensación diferente a los dibujos. En mi caso realicé a Skrik desde tres perspectivas diferentes: de espaldas, de perfil derecho y de perfil izquierdo, ya que en los anteriores dibujos lo había dibujado totalmente de frente. 

Figura 1. Skrik desde diferentes perspectivas 

• La segunda parte fue más orientada hacia el cómic en sí. Dividimos el cuento en cinco partes proporcionadas para que cada uno de nosotros dibujase una página del cómic representando la parte que le había tocado. En mi caso, elegí la mitad final del cuento, en la que Skrik, pasados unos años y de casualidad, mira hacia el cielo y descubre que la Tierra ya no se encuentra en su lugar. Este fue el resultado final: 

Figura 2. Página del cómic en blanco y negro 

Figura 3. Página del cómic con color

Figura 4. Parte coloreada y repasada con negro 

Figura 5. Resultado final con el fondo 

Os preguntaréis por qué os dejo tantas imágenes del mismo dibujo. Pues bien: es muy importante que os fijéis en la importancia que tiene el color en una composición, dándole fuerza y otro carácter distinto a un simple dibujo a lápiz. También quiero que os fijéis como repasar los dibujos (figura 4) y añadir un fondo acorde con la historia que se narra (figura 5) da otro sentido a la obra, acentuando las expresiones y elementos principales del dibujo. 

Por ello, no solo un cuento está formado del texto en sí, sino que también son fundamentales los dibujos, los colores... para transmitir al lector aquello que el autor quiere. Y yo considero que lo he conseguido (o por lo menos lo he intentado). 

Espero que os guste mi parte del cómic. Dentro de poco publicaré el cómic entero así que ESTAD ATENTOS. 

¡Hasta pronto! 

Seguimos de exposiciones

¡Bienvenidos lectores!

En la clase teórica del 9 de mayo hemos continuado con las exposiciones de los compañeros y sus artistas asignados. En este caso, nos presentaban el retrato realizado en la clase práctica del viernes anterior y así nos pudimos dar cuenta que la imaginación humana no tiene límites. Dónde ellos veían un pez, otros veíamos un fantasma...

Para continuar con mi labor de todas las semanas, hoy os traigo los términos más novedosos que surgieron en estas presentaciones:

• Arte barroco: Estilo artístico surgido entre los siglos XVI y XVIII en la que una de sus principales características es el realismo y naturalismos, es decir, la representación fiel de la realidad a través de la pintura. En el caso del autor por el que surgió este término, Claudio de Lorena, trataba el clasicismo a través de la creación de paisajes como en su obra "El vado". 

  

  Figura 1. El vado, Claudio de Lorena

• Liber veritatis: Libro de numerosos dibujos realizados por Claudio de Lorena en el que dibujó todas sus obras en los que combinaba lápiz y acuarela (marrón o gris) realizando pequeños esbozos de sus composiciones. 
• Edad de oro neerlandesa: Período de prosperidad surgido en Holanda en el siglo XVII que promovió la cultura en todos sus ámbitos (económico, social, artístico...), permitiendo el desarrollo de numerosos artistas de gran renombre hoy en día. 
• Cámara estenopeica: Posiblemente, este fue el concepto que más me atrajo de las exposiciones ya que nunca había oído hablar de él. Consiste en mostrar la realidad tal y como la ven nuestros ojos. Para ello, el autor pinta exactamente lo que ve por su cámara oscura, obteniendo una composición desenfocadas debido a la falta de lente de esta cámara. Al realizar esto, se tiene que estar en una sala oscura en el que haya un foco de luz que se proyecte en un lugar y, en consecuencia, ofrece una imagen invertida de lo que se ve. Leonardo da Vinci, en el siglo XV, fue uno de los encargados de realizar estudios sobre este objeto tan peculiar y, a lo largo de la historia del arte, mucho autores la emplearon en sus creaciones, como es el caso de Jan Verneer, un autor cuyo interés por la luz y búsqueda de equilibrio en sus obras le lleva a ser una gran influencia para los impresionistas del siglo XIX.  
• Surrealismo: Corriente literaria y artística surgido en 1924 en Francia que intenta dejar de lado lo real, apostando por lo irracional a través de la expresión automática del pensamiento del creados. (RAE) Uno de los pertenecientes a este movimiento fue Joan Miró, aunque también dedicó parte de su vida a realizar obras detallistas, como su obra Retrato de una niña. 

  

  Figura 2. Retrato de una niña, Miró (Pinterest)

• Pintura flamenca: Estilo de pintura realizada entre los siglos XV y XVII en la que predomina el realismo de los detalles y un uso innovador de la pintura al óleo, que ofrece diferentes texturas a las obras artísticas. Algunos de los autores que realizaron pinturas flamencas fueron El Bosco, Jan Van Eyck o Piete Brughel "El Viejo", un pintor holandés centrado en realizar obras con muchos detalles como La torre de Babel. 

  

  Figura 3. La torre de Babel, Brughel "el viejo"

Espero que aprendáis mucho, ¡nos vemos! 

Retrato de Skrik

¡Bienvenidos!

Hoy os contaré la práctica del pasado viernes en la que nos dedicamos a realizar un retrato de los personajes de "El viaje de Skrik".
En mi caso, me tocó realizar al personaje principal Skrik. ¿Qué os parece?


Realicé un retrato de plano medio corto o busto, es decir, desde la mitad del pecho hacia arriba. Con un lápiz, pasé a dibujar al extraterrestre en un papel reciclado de tamaño A3 aproximadamente. Posteriormente, perfilé ese dibujo, un fallo por mi parte ya que después condicionó el resto del proceso. Al pasar a pintar con temperas la superficie, en primer lugar pinté los hombros y brazos, limitándome a pintar del perfilado hacia dentro. Pero al pintar la cabeza ya comencé a salirme d esos límites y a disfrutar verdaderamente de lo que estaba haciendo, aunque hubo un problema, se me comenzó a mezclar el negro del perfilado, que aún no estaba seco, con el verde.
Le puse con una expresión de alegría, ya que está realizado antes de que Skrik partiese hacia la Tierra. Para ello, aproveché las posibilidades de los ojos y la boca.

Posteriormente, realicé el fondo naranja y morado, dibujé los dos planetas que se encuentran y coloreé la nave espacial (como ya había aprendido la lección, la perfilé después de pintarla).
Para finalizar, pasé a pintar la boca y ojos y perfilar todo el dibujo para obtener el resultado final.

Para realizar toda la composición únicamente empleé temperas de los tres colores primarios (magenta, cian y amarillo).

Figura 1. Primeros pasos

Figura 2. Dando color al retrato 

Figura 3. Resultado final del retrato 

                                    

Además, el marciano fue de color verde, un fondo naranja y morado, ya que estos colores pertenecen a una triada, es decir, se ubican unos a la misma distancia de otros, lo que hace que proporcione contraste a la composición sin interferir a la armonía.
En cuanto a los ojos azules👀, se produce una combinación analógica con el color verde del extraterrestre, debido a que se combinan dos colores ubicados uno al lado del otro, ofreciendo una impresión de tranquilidad.
Respecto a la nave espacial de Skrik, es de color amarillo, morado y azul, realizándose una combinación complementaria por separado. Se utilizan para ello los colores que están al lado de los opuestos.
También encontramos en el fondo dibujados dos planetas: la Tierra y Júpiter, en señal de que el pequeño marciano está decido a comenzar un viaje interestelar.

Ahora bien, ¿creéis que podría estar este retrato en una galería o museo de arte? Pues yo creo que sí, y os lo voy a demostrar.

Figura 4. Retrato de Skrik (Museo del Prado, Madrid)

¿Os gusta la nueva apariencia de Skrik? Se le ve con muchas ganas de viajar a la Tierra, ¿verdad?


¡Hasta pronto👋!

Mandalas

¡Hola a todos lectores!

Hoy vamos a hablar de un tema muy curioso y conocido: los mandalas. Seguro que muchos de vosotros los habéis hecho en algún momento de vuestra vida. Yo, por ejemplo, hacía todas las semanas en el colegio.

Los mandalas son representaciones de forma simbólica del micro y macro cosmos, procedentes de la India. Su nombre significa rueda o círculo, del sánscrito, por su forma generalmente circular que representa el centro del Universo.

Los budistas e hinduistas realizan mandalas como medida para meditar, ya que creen que su realización promueve una conexión entre el creador y la divinidad a la que representa, en busca de un equilibrio energético y una transformación personal, además de ser un medio de relajación y medio de armonizar nuestro mundo interior y exterior.

Dependiendo de la forma geométrica que tengan, tienen distintos significados:

• Circular: Significa lo absoluto, la perfección, el cosmos, el cambio... 

  

  Figura 1. Mandala circular 

• Triangular: Muestra la plenitud, la pasión, la vitalidad y la transformación del yo. 

  

  Figura 2. Mandala triangular (123RF)

• Cuadrado: Transmite el equilibrio, la energía y el entusiasmo. 

  

  Figura 3. Mandala triangular (123RF)

• Estrella: Significa la libertad, la salvación y plena imaginación. 
• Pentágono: Representa la tierra, el agua, el fuego, la madera y el metal. En el ser humano muestra la inteligencia y el poder. 

  

  Figura 4. Mandala pentagonal (Pinterest)

• Laberinto: Simboliza la búsqueda de uno mismo.

  

  Figura 5. Mandala en laberinto (123RF)

• Mariposa: Muestra la evolución de la persona, la muerte y la renovación del alma. 

  

  Figura 6. Mandala mariposa (123RF)

A su vez, los colores que se otorgan a los mandalas tienen un significado concreto:

• Blanco: Pureza, inocencia, simplicidad. 
• Negro: Misterio, profundidad, tristeza. 
• Gris: Paciencia, orden, seriedad. 
• Amarillo: Optimismo, alegría, diversión. 
• Rojo: Fuerza, pasión, energía. 
• Azul: Paz, tranquilidad, armonía.
• Rosa: Delicadeza, amistad. 
• Naranja: Energía, calidez, entusiasmo. 
• Verde: Esperanza, equilibrio. 
• Morado: Misticismo, poder, autoridad. 

Espero que os haya parecido muy interesante, ¡hasta pronto! 

BIBLIOGRAFÍA 

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Redacción Cromos (2016, agosto 11). La magia y el poder de los mandalas. Recuperdo de https://www.elespectador.com/cromos/horoscopo-y-predicciones-2013/articulo-145489-la-magia-y-el-poder-de-los-mandalas